La chispa de la vida

Director: Álex de la Iglesia   Año: 2011
Reparto: José Mota, Salma Hayek, Blanca Portillo, Fernando Tejero.

Vale. Esta vez a Álex de la Iglesia se le ha escapado de las manos. No entiendo por qué narices se ha emperrado en la elección de José Mota como actor protagonista de esta cinta. No le veo ningún sentido, a no ser el de mero experimento que no ha sabido encarar con un mínimo de profesionalidad. Ya se sabe eso de que los experimentos siempre deberían hacerse con gaseosa. Pero no sólo falla el actor protagonista (por Dios), sino, prácticamente todo lo demás. El resto de actores parecen contagiados de esa falta de profesionalidad, y es que hay actuaciones que rozan lo patético. Ya no voy a entrar en la actuación (por llamarla de alguna manera) de este actor/director de nuestro cine, que es Santiago Segura, por miedo a decir algo inadecuado, así que paso palabra. Mala dirección, pésimo montaje, y absurdo panfleto de la chispa de la vida. Vuelvo a pensar que el cine español nos depara un futuro decadente, y que nuestro país no está para ello. ¿Dónde están los buenos directores? ¿Habrá que pensar que el cine español lo hacen cuatro amigos? Espero que no. Álex, te has lucido, majo.

Lo mejor

Voy a pasar por esta vez

Lo peor

Prácticamente todo

Mi puntuación            .25.

Melancolía

Director: Lars Von Trier      Año: 2011
Reparto: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Charlotte Rampling, John Hurt.

Melancolía. Podemos decir que es un estado de tristeza continuo en el tiempo, una tendencia a la tristeza permanente. Durante mucho tiempo se confundieron estados como la melancolía y la depresión, llegándose a pensar durante muchas décadas que eran lo mismo. La protagonista de esta historia sufre, de una forma desgarradora, los efectos de una depresión continua. Lars Von Trier conoce perfectamente la diferencia entre ambas definiciones, pero prefiere relatar el film desde un punto de vista más poético, haciendo un nexo entre la historia de Justine (Kirsten Dunst) y la de un planeta (Melancolía), que hasta entonces había permanecido oculto tras el Sol, que se acerca a la Tierra en una trayectoria, según algunos científicos apocalípticos, de colisión. Reconozco que, después de haber visto gran parte de la filmografía de Lars Von Trier, no tenía muchas esperanzas de poder disfrutar plenamente de este film, pero también soy consciente de las ganas que tenía de "enfrentarme" a él desde que leí las primeras críticas antes de su estreno en nuestro país. Tras un prólogo, antes de los primeros títulos, donde Von Trier juega con elementos de una gran belleza fotográfica, nos introduce en la primera parte de la historia y nos acerca a la principal protagonista, mostrando a su vez un pequeño retazo de sus padres (unos excelentes John Hurt y Charlotte Rampling) que nos hace entender el carácter depresivo de Justine. Pero es en la segunda parte donde esta obra se convierte en algo espectacular, digno de recordar. Es en la segunda parte donde Von Trier nos muestra la realidad más desgarradora, donde nos evidencia, ya no sólo la indiferencia, sino incluso la desaparición de la melancolía ante el hecho de lo inevitable, cuando no se tiene nada que perder. Como siempre, este director, polémico donde los haya, ha realizado una obra, la más accesible hasta el momento, que dividirá al gran público. A mí, de un modo muy personal, me ha ganado para siempre.

Lo mejor 

La forma de contar la historia

Lo peor

Se me ha hecho corta y son más de dos horas de metraje

Mi puntuación            .91.

La máscara

Director: Chuk Rusell      Año: 1994
Reparto: Jim Carrey, Cameron Diaz, Peter Greene, Amy Yasbeck, Peter Riegert.

El único buen recuerdo, dentro del cine, que tengo de Chuk Rusell, director de este film que he vuelto a ver después de más de quince años, es su participación como productor ejecutivo en Collateral (Michael Mann, 2004). El resto de trabajos me han parecido de una calidad, al menos, discutible.  The blob (1998), Eraser (1996), El rey escorpión (2002) y unos cuantos más que se quedan en el tintero son films mediocres realizados con escasez de ganas, esfuerzo y conocimiento cinematográfico. Se puede decir que La máscara entra dentro del lote nombrado anteriormente y es que es un film realizado con la única pretensión de reunir a la familia en el cine, o en el sofá del salón, y hacer una taquilla suculenta a costa de la atracción que un actor como Jim Carrey puede llegar a producir. Chistes facilones, gestos imposibles (siempre los mismos, hasta el más profundo tedio) de un Jim Carrey repetitivo y falto de ingenio, humor para mentes insulsas... Yo me disponía a ver Un tipo serio, de los Coen (pendiente queda), pero algo me hizo cambiar de opinión. Han pasado dieciocho años desde el estreno de La máscara y ahora ya no tiene sentido. Seguramente, en aquella época tampoco.

Lo mejor

Que se haya perdido en el limbo

Lo peor

¿Prácticamente todo?

Mi puntuación            .35.

El árbol de la vida

Director: Terrence Malick      Año: 2011
Reparto: Brad Pitt, Jessica Chastain, Hunter McCracken, Sean Penn, Laramie Eppler, Tye Sheridan.

La naturaleza, lo divino. ¿Realmente le importamos a Dios los seres humanos? Tiene tanto de lo que ocuparse... ¿Qué es la vida?, ¿qué es la muerte? Somos insignificantes en la globalidad del Universo.

"Antes de saber que te amaba, creía en ti".

Somos tan insignificantes, pero tan importantes... Amar la vida es lo que realmente importa. Amar sobre todas las cosas. Los celos, la inocencia, el miedo, el árbol de la vida.

"Serás mayor antes de que ese árbol crezca".

"Allí vive Dios".

Y el árbol crece. El árbol de la vida. Sueños, amor, juegos, amistad, oración, disciplina, miedo, rebeldía interna.

"¿Quieres a tu padre?, ¿tu padre te quiere?"

"¿Quién es Dios?"

Más disciplina. No podemos protegernos de la desgracia. ¿Confías en Dios? La historia de Job. Más disciplina, odio. Primer amor, decepción paterna, muerte.

"¿Dónde estabas?, dejaste morir a un niño. ¿Por qué yo debo de ser bueno si tú no lo eres?"

"Nunca debes decir no puedo".

Tenacidad.

"¿Por qué nuestro padre nos hace daño?"

"Amad a todo el mundo. Perdonad".

Curiosidad, despertar, ansiedad, rebeldía. La familia.

"El único modo de ser feliz es amando. Si no sabes amar, tu vida pasará como un destello. Sé bueno con los demás. Asómbrate. Ten esperanza".

El reencuentro. La luz. Fundido en negro.

Lo mejor

Nunca he visto un film parecido

Lo peor

No es una obra para todos. ¿En realidad es eso malo?

Mi puntuación            .90.


Escucha un tema de su banda sonora original

Puedes contar conmigo

Director: Kenneth Lonergan      Año: 2000
Reparto: Laura Linney, Mark Ruffalo, Matthew Broderick, Kenneth Lonergan, Rory Culkin.

Ópera prima del director de cine americano Kenneth Lonergan. Si bien es cierto que ésta es su primera aportación al mundo del celuloide, Lonergan cuenta con una carrera de dramaturgo en Broadway bien cimentada a sus espaldas. Puedes contar conmigo es un film que trata sobre la vida, la esperanza, las oportunidades que nos encontramos sin apenas proponerlo, pero también habla sobre las dudas, los recelos, la decepción. Puedes contar conmigo es una bella historia de amor fraternal que mantiene un ritmo delicioso a lo largo de toda la película, con escenas llenas de ternura pero sin caer en ningún momento en la lágrima fácil. El guión que nos ofrece Kenneth Lonergan es simplemente perfecto, ajustado a la historia en cada momento, y escrito de un modo impecable. Los protagonistas Mark Ruffalo y Laura Linney realizan un trabajo espectacular, brillante y redondo. Parece que los papeles hayan sido escritos especialmente para ellos, añadiendo a su vez infinidad de matices que hacen de sus personajes algo inolvidable.

Lo mejor

El guión y la dirección

Lo peor

Hay partes muy tristes

Mi puntuación            .85.

Winter´s bone

Directora: Debra Granik      Año: 2010
Reparto: Jennifer Lawrence, John Hawkes, Lauren Sweetser, Sheryl Lee.

Winter´s bone es el segundo film de Debra Granik, directora desconocida en nuestro país ya que su primer trabajo, Down to the bone, permanece inédito en España (cosas del cine indie). El film está basado en la novela homónima de Daniel Woodrell y ha sido reconocido a nivel internacional acaparando diversos galardones en otros tantos festivales de cine como el Gran Premio del Jurado al mejor drama en el Festival de Sundance o diferentes reconocimientos en los festivales de Berlín o Estocolmo. También ha sido nominado a cuatro Oscar sin haber llevado el reconocimiento final en ninguna de las categorías. Bajo mi punto de vista, Debra Granik ha aprovechado el tirón, a raíz de los buenos resultados obtenidos con fims como Juno o Valor de ley, de trabajar sobre un tema (la adolescente tenaz, superviviente e incansable) que atrae al público y a la crítica especializada. Me ha parecido un trabajo aburrido, lleno de referentes morales (demasiados para mi gusto) y absolutamente sobrevalorado por la crítica especializada.

Lo mejor

Los pequeños detalles

Lo peor

El aburrimiento

Mi puntuación            .63.


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El intercambio

Director: Clint Eastwood      Año: 2008
Reparto: Angelina Jolie, John Malkovich, Jeffrey Donovan, Colm Feore, Amy Ryan.

Revisando los trabajos de Clint Eastwood desde finales de los ochenta hasta ahora, puedo decir que es uno de mis directores favoritos . En su larga carrera detrás de las cámaras cuenta con más de una treintena de films, pero es a partir de Bird (1988) cuando comienzo a hacer un seguimiento más exhaustivo de su carrera, declarándome desde entonces como un fiel seguidor de su trabajo de dirección. El intercambio es la guinda de un pastel formado por anteriores producciones de este maestro del cine, y si son más de dos los que se podrían nombrar, voy a poner Mystic river y Million dollar baby como claro ejemplo de trabajos excelentemente realizados. La labor de dirección en El intercambio está cuidada hasta el último detalle y la ambientación de la época de finales de los años veinte es impecable. Todo destila calidad. La labor interpretativa de Angelina Jolie va más allá de cualquier duda sobre su valía como actriz dramática, y el trabajo del resto del reparto, sobre todo de actrices y actores secundarios, es digno de mención. Un film que no defraudará a los fieles seguidores del señor Eastwood.

Lo mejor

La labor de dirección

Lo peor

La sensación de impotencia que sentimos en algunos momentos del film

Mi puntuación            .84.


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La piel que habito

Director: Pedro Almodóvar      Año: 2011
Reparto: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Jan Cornet, Roberto Álamo.

En primer lugar he de reconocer que siempre tiendo a encarar las películas de Almodóvar desde un punto de vista muy crítico. Sin embargo hacía mucho tiempo que no me apetecía quedarme hasta ver aparecer los títulos de crédito en uno de sus films. Si echo la vista atrás creo que la última ocasión fue hace doce años, visionando Todo sobre mi madre. Desde entonces no había vuelto a ver nada del director manchego que, al menos, no me disgustara. Porque, si soy sincero, a la media hora del comienzo de La piel que habito pensé muy seriamente en levantarme e ir a tomar un café con pastas en compañía de un buen periódico con el que entretenerme, pero pasado ese rato de breve confusión decidí darle una segunda oportunidad que al final ha resultado, en parte, conciliadora. Almodóvar gusta mucho en Estados Unidos, donde no están acostumbrados al tipo de cine que sabe hacer este director, mezcla, en la mayoría de las ocasiones, de muy diferentes géneros. Siempre he seguido la crítica especializada norteamericana de los films de Almodóvar  y, haciendo un pequeño esfuerzo de memoria, podría asegurar que la media, en cuanto a la calificación de sus obras, es incluso superior a la de directores altamente reconocidos dentro del cine internacional, como pueden ser Clint Eastwood o David Fincher. Sinceramente, y desde un punto de vista muy personal, no creo que haya estado ni llegue a estar nunca a la altura de estos dos grandes genios del cine ni de otros muchos cuyos nombres, por falta de espacio, omitiremos en esta revisión. La piel que habito no llega a ser un film inteligente por mucho que lo pretenda y está más cerca de las películas de serie B de hace cincuenta años que de cualquier thriller clásico. Y de Antonio Banderas prefiero no hablar.

Lo mejor

El diseño de producción y la fotografía

Lo peor

Producto típico de Almodóvar

Mi puntuación            .55.


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Los chicos están bien

Directora: Lisa Cholodenko      Año: 2010
Reparto: Annette Bening, Julianne Moore, Mark Ruffalo, Mia Wasikowska, Josh Hutcherson.

Lisa Cholodenko ha ejercido  como escritora y directora en algunos capítulos de series de televisión, como A dos metros bajo tierra o The L word. Los chicos están bien no es su primer film cinematográfico ya que comienza su trabajo en el mundo de la dirección en 1994 presentando Souvenir, un corto rodado en 16mm. Su primer largometraje, High art, donde se trata, como en este caso, el tema de la homosexualidad, no salió a la luz hasta el año 1998. Los chicos están bien nos relata la historia de una pareja de lesbianas que forman una familia junto con sus respectivos hijos adolescentes concebidos por inseminación artificial, cuyo donante de semen había sido el mismo para ambas. Llegado el momento, los chicos se interesan por saber quién es su padre biológico y hacen todos los preparativos para conocerlo. El film trata el tema de la homosexualidad de un modo abierto pero poco realista, sin embargo plantea desde un punto de vista muy acertado los estragos que la convivencia, el paso de los años y la vida compartida provocan en una pareja, llegando a comparar el matrimonio con una maratón. Habría que destacar el trabajo de interpretación de, prácticamente, todos los miembros del reparto, con una mención especial a Mark Ruffalo en su papel de padre biológico.

Lo mejor

El trabajo interpretativo

Lo peor

No tiene nada especial

Mi puntuación            .70.


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Tokio blues

Director: Tran Anh Hung      Año: 2010
Reparto: Kenichi Matsuyama, Rinko Kikuchi, Kiko Mizuhara, Reika Kirishima.

Adaptación de la novela del autor japones Haruki Murakami publicada en 1987 y de la cual se vendieron más de cuatro millones de ejemplares. El título original en japonés, Noruwei no Mori, es la traducción del título de una canción de los Beatles: Norwegian Wood, compuesta por John Lennon y Paul McCartney y que pone la nota musical al final del film y durante el inicio de los títulos de crédito. En cuanto al resto de temas que componen la banda sonora nos encontramos con un gran trabajo de Jonny Greenwood, miembro de la banda Radiohead. Tokio blues es una película muy dura que habla del amor en su máxima expresión y de lo que puede llegar a doler su verdadero significado. Hung nos muestra las emociones de un modo desgarrador ( sólo hay que ver el dolor infinito que se refleja en la escena de las rocas y el mar embravecido) y nos transporta, acompañados de Toru Watanabe, el protagonista principal del film, a través de un viaje repleto de altibajos. Tokio blues nos muestra solamente dos caminos para poder continuar la marcha: el amor o el suicido. No hay más opciones.

Lo mejor

La atmósfera que rodea a los personajes

Lo peor

No he leído la novela de Haruki Murakami

Mi puntuación            .79.


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Un cuento chino

Director: Sebastián Borensztein      Año: 2011
Reparto: Ricardo Darín, Muriel Santa Ana, Huang Sheng Huang.

Un ferretero argentino, con muy mala leche pero de buen corazón, coleccionista de sucesos increíbles, y un chino al que le ha ocurrido uno de ellos, cruzan sus anodinas vidas en este film de Sebastián Borensztein, director de La suerte está echada (2005) y Sin memoria (2010). La fábula que se narra es una parábola sobre el dolor, que nos muestra que el único camino posible a seguir es siempre hacia delante. Borensztein hace una autocrítica social acompañada de una buena dosis de humor donde Ricardo Darín es la máxima expresión de la misantropía, convirtiendo así la relación entre ambos personajes en un incesante contraste. Pasar de la comedia a la tragedia en cuestión de segundos es algo que Borensztein sabe hacer a la perfección, convirtiendo este film en una obra que deja un sabor agridulce. La banda sonora se acopla correctamente en el conjunto, acompañando las escenas en cada momento hasta el punto de pasar totalmente desapercibida a nuestros oídos, dando así la importancia que ésta tiene en su justa medida.

Lo mejor

La personalidad del film

Lo peor

Un desenlace previsible

Mi puntuación            .76.          

La luz prodigiosa

Director: Miguel Hermoso      Año: 2003
Reparto: Alfredo Landa, Nino Manfredi, Kiti Manver, José Luis Gómez.

La historia de La luz prodigiosa se remonta a la Guerra Civil española, cuando un joven pastor, llamado Joaquín, recoge a un fusilado que han dado por muerto y lo cura de sus heridas, pero sin lograr que recupere su memoria que ha perdido a causa de un disparo en la cabeza. Cuarenta años después se produce el reencuentro en Granada entre Joaquín y el hombre, del que no ha vuelto a saber desde entonces. El film está basado en la novela del mismo título de Fernando Marías, aprovechando aún más la esencia de una historia exquisitamente relatada. La libertad que se toma Miguel Hermoso para contar los hechos ahondando en la labor de investigación en la búsqueda de la verdadera identidad del hombre con el que Joaquín se ha reencontrado hacen que la obra cobre una nueva dimensión y nos muestra en primer plano la personalidad del desconocido. Los trabajos de interpretación de Alfredo Landa  y Nino Manfredi son dignos de elogio y el resultado final del conjunto se merece una valoración muy positiva. Posteriormente al visionado de la película he podido leer la obra de Fernando Marías y me quedo (raras son las ocasiones en las que esto ocurre) con el trabajo de Miguel Hermoso.

Lo mejor

El superlativo trabajo de interpretación de estos dos grandes del cine: Alfredo Landa y Nino Manfredi

Lo peor

El escaso reconocimiento de estas obras del cine español

Mi puntuación            .84.

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