Intocable

Director: Olivier Nakache, Eric Toledano  Año: 2011

Reparto: François Cluzet, Omar Sy, Anne Le Ny, Audrey Fleurot, Clotilde Mollet.

Pocas veces había visto una cinta en una pequeña sala rodeado de tan buena compañía y proyectada desde un dispositivo ideado para hacer presentaciones de otro tipo. El ambiente, en ocasiones, influye de un modo ciertamente positivo en el análisis de una película.

Intocable es una película sobre la amistad, una película tierna, sentimental. Arranca desde el primer momento con fuerza, una fuerza que nos atrae desde su propia magia. La comedia que impera en la mayor parte de los planos hace que el drama real se vea envuelto por ella y desaparezca sin apenas darnos cuenta. Podríamos decir que una gran parte del éxito de "Intocable" es la certera construcción emocional de sus personajes.

La banda sonora nos acompaña con piezas de Bach, Chopin, Korsakov, Vivaldi o Shubert y hace que nos internemos en un sentimiento más profundo aún sobre lo que nos quiere transmitir su significado. Y es que Intocable definitivamente es un canto a la vida.

Lo mejor

La esencia humana de los personajes

Lo peor

Desenlace previsible 

Mi puntuación      .75.

La caza

Director: Thomas Vinterberg  Año: 2012
Reparto: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Annika Wedderkopp, Alexandra Rapaport.

Es la primera película que veo de Thomas Vinterberg, pero me lo apunto como director. A Mads Mikkelsen lo recordaba como el malo de "Casino Royale".

Me ha encantado, como espectador objetivo, saber la verdad desde el principio, pero también ha sacado lo peor de mí al descubrir la asombrosa facilidad con la que se puede destruir a alguien a partir de una inocente mentira que va creciendo como una bola de nieve. Todo esto me recuerda una vez más que la presunción de inocencia es un principio jurídico básico que en muchos casos no existe.

Me han gustado el ritmo y la implicación a la que Vinterberg somete al espectador. Excelentes actuaciones del protagonista y de la niña. Una joya del cine danés.

Lo mejor

El ritmo y la forma de implicar al espectador

Lo peor

Descubrir una vez más cómo es realmente el ser humano 

Mi puntuación      .82.

 

La chispa de la vida

Director: Álex de la Iglesia   Año: 2011
Reparto: José Mota, Salma Hayek, Blanca Portillo, Fernando Tejero.

Vale. Esta vez a Álex de la Iglesia se le ha escapado de las manos. No entiendo por qué narices se ha emperrado en la elección de José Mota como actor protagonista de esta cinta. No le veo ningún sentido, a no ser el de mero experimento que no ha sabido encarar con un mínimo de profesionalidad. Ya se sabe eso de que los experimentos siempre deberían hacerse con gaseosa. Pero no sólo falla el actor protagonista (por Dios), sino, prácticamente todo lo demás. El resto de actores parecen contagiados de esa falta de profesionalidad, y es que hay actuaciones que rozan lo patético. Ya no voy a entrar en la actuación (por llamarla de alguna manera) de este actor/director de nuestro cine, que es Santiago Segura, por miedo a decir algo inadecuado, así que paso palabra. Mala dirección, pésimo montaje, y absurdo panfleto de la chispa de la vida. Vuelvo a pensar que el cine español nos depara un futuro decadente, y que nuestro país no está para ello. ¿Dónde están los buenos directores? ¿Habrá que pensar que el cine español lo hacen cuatro amigos? Espero que no. Álex, te has lucido, majo.

Lo mejor

Voy a pasar por esta vez

Lo peor

Prácticamente todo

Mi puntuación            .25.

Melancolía

Director: Lars Von Trier      Año: 2011
Reparto: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Charlotte Rampling, John Hurt.

Melancolía. Podemos decir que es un estado de tristeza continuo en el tiempo, una tendencia a la tristeza permanente. Durante mucho tiempo se confundieron estados como la melancolía y la depresión, llegándose a pensar durante muchas décadas que eran lo mismo. La protagonista de esta historia sufre, de una forma desgarradora, los efectos de una depresión continua. Lars Von Trier conoce perfectamente la diferencia entre ambas definiciones, pero prefiere relatar el film desde un punto de vista más poético, haciendo un nexo entre la historia de Justine (Kirsten Dunst) y la de un planeta (Melancolía), que hasta entonces había permanecido oculto tras el Sol, que se acerca a la Tierra en una trayectoria, según algunos científicos apocalípticos, de colisión. Reconozco que, después de haber visto gran parte de la filmografía de Lars Von Trier, no tenía muchas esperanzas de poder disfrutar plenamente de este film, pero también soy consciente de las ganas que tenía de "enfrentarme" a él desde que leí las primeras críticas antes de su estreno en nuestro país. Tras un prólogo, antes de los primeros títulos, donde Von Trier juega con elementos de una gran belleza fotográfica, nos introduce en la primera parte de la historia y nos acerca a la principal protagonista, mostrando a su vez un pequeño retazo de sus padres (unos excelentes John Hurt y Charlotte Rampling) que nos hace entender el carácter depresivo de Justine. Pero es en la segunda parte donde esta obra se convierte en algo espectacular, digno de recordar. Es en la segunda parte donde Von Trier nos muestra la realidad más desgarradora, donde nos evidencia, ya no sólo la indiferencia, sino incluso la desaparición de la melancolía ante el hecho de lo inevitable, cuando no se tiene nada que perder. Como siempre, este director, polémico donde los haya, ha realizado una obra, la más accesible hasta el momento, que dividirá al gran público. A mí, de un modo muy personal, me ha ganado para siempre.

Lo mejor 

La forma de contar la historia

Lo peor

Se me ha hecho corta y son más de dos horas de metraje

Mi puntuación            .91.

La máscara

Director: Chuk Rusell      Año: 1994
Reparto: Jim Carrey, Cameron Diaz, Peter Greene, Amy Yasbeck, Peter Riegert.

El único buen recuerdo, dentro del cine, que tengo de Chuk Rusell, director de este film que he vuelto a ver después de más de quince años, es su participación como productor ejecutivo en Collateral (Michael Mann, 2004). El resto de trabajos me han parecido de una calidad, al menos, discutible.  The blob (1998), Eraser (1996), El rey escorpión (2002) y unos cuantos más que se quedan en el tintero son films mediocres realizados con escasez de ganas, esfuerzo y conocimiento cinematográfico. Se puede decir que La máscara entra dentro del lote nombrado anteriormente y es que es un film realizado con la única pretensión de reunir a la familia en el cine, o en el sofá del salón, y hacer una taquilla suculenta a costa de la atracción que un actor como Jim Carrey puede llegar a producir. Chistes facilones, gestos imposibles (siempre los mismos, hasta el más profundo tedio) de un Jim Carrey repetitivo y falto de ingenio, humor para mentes insulsas... Yo me disponía a ver Un tipo serio, de los Coen (pendiente queda), pero algo me hizo cambiar de opinión. Han pasado dieciocho años desde el estreno de La máscara y ahora ya no tiene sentido. Seguramente, en aquella época tampoco.

Lo mejor

Que se haya perdido en el limbo

Lo peor

¿Prácticamente todo?

Mi puntuación            .35.

El árbol de la vida

Director: Terrence Malick      Año: 2011
Reparto: Brad Pitt, Jessica Chastain, Hunter McCracken, Sean Penn, Laramie Eppler, Tye Sheridan.

La naturaleza, lo divino. ¿Realmente le importamos a Dios los seres humanos? Tiene tanto de lo que ocuparse... ¿Qué es la vida?, ¿qué es la muerte? Somos insignificantes en la globalidad del Universo.

"Antes de saber que te amaba, creía en ti".

Somos tan insignificantes, pero tan importantes... Amar la vida es lo que realmente importa. Amar sobre todas las cosas. Los celos, la inocencia, el miedo, el árbol de la vida.

"Serás mayor antes de que ese árbol crezca".

"Allí vive Dios".

Y el árbol crece. El árbol de la vida. Sueños, amor, juegos, amistad, oración, disciplina, miedo, rebeldía interna.

"¿Quieres a tu padre?, ¿tu padre te quiere?"

"¿Quién es Dios?"

Más disciplina. No podemos protegernos de la desgracia. ¿Confías en Dios? La historia de Job. Más disciplina, odio. Primer amor, decepción paterna, muerte.

"¿Dónde estabas?, dejaste morir a un niño. ¿Por qué yo debo de ser bueno si tú no lo eres?"

"Nunca debes decir no puedo".

Tenacidad.

"¿Por qué nuestro padre nos hace daño?"

"Amad a todo el mundo. Perdonad".

Curiosidad, despertar, ansiedad, rebeldía. La familia.

"El único modo de ser feliz es amando. Si no sabes amar, tu vida pasará como un destello. Sé bueno con los demás. Asómbrate. Ten esperanza".

El reencuentro. La luz. Fundido en negro.

Lo mejor

Nunca he visto un film parecido

Lo peor

No es una obra para todos. ¿En realidad es eso malo?

Mi puntuación            .90.


Escucha un tema de su banda sonora original

Puedes contar conmigo

Director: Kenneth Lonergan      Año: 2000
Reparto: Laura Linney, Mark Ruffalo, Matthew Broderick, Kenneth Lonergan, Rory Culkin.

Ópera prima del director de cine americano Kenneth Lonergan. Si bien es cierto que ésta es su primera aportación al mundo del celuloide, Lonergan cuenta con una carrera de dramaturgo en Broadway bien cimentada a sus espaldas. Puedes contar conmigo es un film que trata sobre la vida, la esperanza, las oportunidades que nos encontramos sin apenas proponerlo, pero también habla sobre las dudas, los recelos, la decepción. Puedes contar conmigo es una bella historia de amor fraternal que mantiene un ritmo delicioso a lo largo de toda la película, con escenas llenas de ternura pero sin caer en ningún momento en la lágrima fácil. El guión que nos ofrece Kenneth Lonergan es simplemente perfecto, ajustado a la historia en cada momento, y escrito de un modo impecable. Los protagonistas Mark Ruffalo y Laura Linney realizan un trabajo espectacular, brillante y redondo. Parece que los papeles hayan sido escritos especialmente para ellos, añadiendo a su vez infinidad de matices que hacen de sus personajes algo inolvidable.

Lo mejor

El guión y la dirección

Lo peor

Hay partes muy tristes

Mi puntuación            .85.

Winter´s bone

Directora: Debra Granik      Año: 2010
Reparto: Jennifer Lawrence, John Hawkes, Lauren Sweetser, Sheryl Lee.

Winter´s bone es el segundo film de Debra Granik, directora desconocida en nuestro país ya que su primer trabajo, Down to the bone, permanece inédito en España (cosas del cine indie). El film está basado en la novela homónima de Daniel Woodrell y ha sido reconocido a nivel internacional acaparando diversos galardones en otros tantos festivales de cine como el Gran Premio del Jurado al mejor drama en el Festival de Sundance o diferentes reconocimientos en los festivales de Berlín o Estocolmo. También ha sido nominado a cuatro Oscar sin haber llevado el reconocimiento final en ninguna de las categorías. Bajo mi punto de vista, Debra Granik ha aprovechado el tirón, a raíz de los buenos resultados obtenidos con fims como Juno o Valor de ley, de trabajar sobre un tema (la adolescente tenaz, superviviente e incansable) que atrae al público y a la crítica especializada. Me ha parecido un trabajo aburrido, lleno de referentes morales (demasiados para mi gusto) y absolutamente sobrevalorado por la crítica especializada.

Lo mejor

Los pequeños detalles

Lo peor

El aburrimiento

Mi puntuación            .63.


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El intercambio

Director: Clint Eastwood      Año: 2008
Reparto: Angelina Jolie, John Malkovich, Jeffrey Donovan, Colm Feore, Amy Ryan.

Revisando los trabajos de Clint Eastwood desde finales de los ochenta hasta ahora, puedo decir que es uno de mis directores favoritos . En su larga carrera detrás de las cámaras cuenta con más de una treintena de films, pero es a partir de Bird (1988) cuando comienzo a hacer un seguimiento más exhaustivo de su carrera, declarándome desde entonces como un fiel seguidor de su trabajo de dirección. El intercambio es la guinda de un pastel formado por anteriores producciones de este maestro del cine, y si son más de dos los que se podrían nombrar, voy a poner Mystic river y Million dollar baby como claro ejemplo de trabajos excelentemente realizados. La labor de dirección en El intercambio está cuidada hasta el último detalle y la ambientación de la época de finales de los años veinte es impecable. Todo destila calidad. La labor interpretativa de Angelina Jolie va más allá de cualquier duda sobre su valía como actriz dramática, y el trabajo del resto del reparto, sobre todo de actrices y actores secundarios, es digno de mención. Un film que no defraudará a los fieles seguidores del señor Eastwood.

Lo mejor

La labor de dirección

Lo peor

La sensación de impotencia que sentimos en algunos momentos del film

Mi puntuación            .84.


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La piel que habito

Director: Pedro Almodóvar      Año: 2011
Reparto: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Jan Cornet, Roberto Álamo.

En primer lugar he de reconocer que siempre tiendo a encarar las películas de Almodóvar desde un punto de vista muy crítico. Sin embargo hacía mucho tiempo que no me apetecía quedarme hasta ver aparecer los títulos de crédito en uno de sus films. Si echo la vista atrás creo que la última ocasión fue hace doce años, visionando Todo sobre mi madre. Desde entonces no había vuelto a ver nada del director manchego que, al menos, no me disgustara. Porque, si soy sincero, a la media hora del comienzo de La piel que habito pensé muy seriamente en levantarme e ir a tomar un café con pastas en compañía de un buen periódico con el que entretenerme, pero pasado ese rato de breve confusión decidí darle una segunda oportunidad que al final ha resultado, en parte, conciliadora. Almodóvar gusta mucho en Estados Unidos, donde no están acostumbrados al tipo de cine que sabe hacer este director, mezcla, en la mayoría de las ocasiones, de muy diferentes géneros. Siempre he seguido la crítica especializada norteamericana de los films de Almodóvar  y, haciendo un pequeño esfuerzo de memoria, podría asegurar que la media, en cuanto a la calificación de sus obras, es incluso superior a la de directores altamente reconocidos dentro del cine internacional, como pueden ser Clint Eastwood o David Fincher. Sinceramente, y desde un punto de vista muy personal, no creo que haya estado ni llegue a estar nunca a la altura de estos dos grandes genios del cine ni de otros muchos cuyos nombres, por falta de espacio, omitiremos en esta revisión. La piel que habito no llega a ser un film inteligente por mucho que lo pretenda y está más cerca de las películas de serie B de hace cincuenta años que de cualquier thriller clásico. Y de Antonio Banderas prefiero no hablar.

Lo mejor

El diseño de producción y la fotografía

Lo peor

Producto típico de Almodóvar

Mi puntuación            .55.


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Los chicos están bien

Directora: Lisa Cholodenko      Año: 2010
Reparto: Annette Bening, Julianne Moore, Mark Ruffalo, Mia Wasikowska, Josh Hutcherson.

Lisa Cholodenko ha ejercido  como escritora y directora en algunos capítulos de series de televisión, como A dos metros bajo tierra o The L word. Los chicos están bien no es su primer film cinematográfico ya que comienza su trabajo en el mundo de la dirección en 1994 presentando Souvenir, un corto rodado en 16mm. Su primer largometraje, High art, donde se trata, como en este caso, el tema de la homosexualidad, no salió a la luz hasta el año 1998. Los chicos están bien nos relata la historia de una pareja de lesbianas que forman una familia junto con sus respectivos hijos adolescentes concebidos por inseminación artificial, cuyo donante de semen había sido el mismo para ambas. Llegado el momento, los chicos se interesan por saber quién es su padre biológico y hacen todos los preparativos para conocerlo. El film trata el tema de la homosexualidad de un modo abierto pero poco realista, sin embargo plantea desde un punto de vista muy acertado los estragos que la convivencia, el paso de los años y la vida compartida provocan en una pareja, llegando a comparar el matrimonio con una maratón. Habría que destacar el trabajo de interpretación de, prácticamente, todos los miembros del reparto, con una mención especial a Mark Ruffalo en su papel de padre biológico.

Lo mejor

El trabajo interpretativo

Lo peor

No tiene nada especial

Mi puntuación            .70.


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Tokio blues

Director: Tran Anh Hung      Año: 2010
Reparto: Kenichi Matsuyama, Rinko Kikuchi, Kiko Mizuhara, Reika Kirishima.

Adaptación de la novela del autor japones Haruki Murakami publicada en 1987 y de la cual se vendieron más de cuatro millones de ejemplares. El título original en japonés, Noruwei no Mori, es la traducción del título de una canción de los Beatles: Norwegian Wood, compuesta por John Lennon y Paul McCartney y que pone la nota musical al final del film y durante el inicio de los títulos de crédito. En cuanto al resto de temas que componen la banda sonora nos encontramos con un gran trabajo de Jonny Greenwood, miembro de la banda Radiohead. Tokio blues es una película muy dura que habla del amor en su máxima expresión y de lo que puede llegar a doler su verdadero significado. Hung nos muestra las emociones de un modo desgarrador ( sólo hay que ver el dolor infinito que se refleja en la escena de las rocas y el mar embravecido) y nos transporta, acompañados de Toru Watanabe, el protagonista principal del film, a través de un viaje repleto de altibajos. Tokio blues nos muestra solamente dos caminos para poder continuar la marcha: el amor o el suicido. No hay más opciones.

Lo mejor

La atmósfera que rodea a los personajes

Lo peor

No he leído la novela de Haruki Murakami

Mi puntuación            .79.


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Un cuento chino

Director: Sebastián Borensztein      Año: 2011
Reparto: Ricardo Darín, Muriel Santa Ana, Huang Sheng Huang.

Un ferretero argentino, con muy mala leche pero de buen corazón, coleccionista de sucesos increíbles, y un chino al que le ha ocurrido uno de ellos, cruzan sus anodinas vidas en este film de Sebastián Borensztein, director de La suerte está echada (2005) y Sin memoria (2010). La fábula que se narra es una parábola sobre el dolor, que nos muestra que el único camino posible a seguir es siempre hacia delante. Borensztein hace una autocrítica social acompañada de una buena dosis de humor donde Ricardo Darín es la máxima expresión de la misantropía, convirtiendo así la relación entre ambos personajes en un incesante contraste. Pasar de la comedia a la tragedia en cuestión de segundos es algo que Borensztein sabe hacer a la perfección, convirtiendo este film en una obra que deja un sabor agridulce. La banda sonora se acopla correctamente en el conjunto, acompañando las escenas en cada momento hasta el punto de pasar totalmente desapercibida a nuestros oídos, dando así la importancia que ésta tiene en su justa medida.

Lo mejor

La personalidad del film

Lo peor

Un desenlace previsible

Mi puntuación            .76.          

La luz prodigiosa

Director: Miguel Hermoso      Año: 2003
Reparto: Alfredo Landa, Nino Manfredi, Kiti Manver, José Luis Gómez.

La historia de La luz prodigiosa se remonta a la Guerra Civil española, cuando un joven pastor, llamado Joaquín, recoge a un fusilado que han dado por muerto y lo cura de sus heridas, pero sin lograr que recupere su memoria que ha perdido a causa de un disparo en la cabeza. Cuarenta años después se produce el reencuentro en Granada entre Joaquín y el hombre, del que no ha vuelto a saber desde entonces. El film está basado en la novela del mismo título de Fernando Marías, aprovechando aún más la esencia de una historia exquisitamente relatada. La libertad que se toma Miguel Hermoso para contar los hechos ahondando en la labor de investigación en la búsqueda de la verdadera identidad del hombre con el que Joaquín se ha reencontrado hacen que la obra cobre una nueva dimensión y nos muestra en primer plano la personalidad del desconocido. Los trabajos de interpretación de Alfredo Landa  y Nino Manfredi son dignos de elogio y el resultado final del conjunto se merece una valoración muy positiva. Posteriormente al visionado de la película he podido leer la obra de Fernando Marías y me quedo (raras son las ocasiones en las que esto ocurre) con el trabajo de Miguel Hermoso.

Lo mejor

El superlativo trabajo de interpretación de estos dos grandes del cine: Alfredo Landa y Nino Manfredi

Lo peor

El escaso reconocimiento de estas obras del cine español

Mi puntuación            .84.

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El origen del planeta de los simios

Director: Rupert Wyatt      Año: 2011
Reparto: James Franco, Freida Pinto, Brian Cox, Tom Felton, Andy Serkis, John Lithgow.

Rupert Wyatt aún no había nacido cuando se estrenó El planeta de los simios en 1968, uno de los filmes de culto más impactantes dentro del género de ciencia ficción de todos los tiempos. La historia original transcurría en el año 3978 cuando una nave espacial procedente de la Tierra realizaba un aterrizaje forzoso en un planeta desconocido dominado por simios inteligentes. El origen del planeta de los simios trata de contarnos el inicio de la historia, intentando buscar una explicación de por qué los simios se vuelven inteligentes en esos casi dos mil años que nos separan del futuro en el que ellos nos gobiernan. Wyatt nos presenta una cinta llena de acción con tres partes claramente diferenciadas. Es en la parte central donde más se acerca a la obra de Franklin J. Schaffner, al menos en su contenido, cuando los simios preparan esa revolución silenciosa que nos recuerda a las escenas en las que Charlton Heston permanece prisionero en el film original. Se podrían contar maravillas sobre los efectos especiales viendo el resultado de la integración de los simios con el paisaje, haciendo un buen uso del mocap (motion capture), o del excelente trabajo de Andy Serkis, pero siempre tenderemos a comparar el producto final con el film de Schaffner. El origen del planeta de los simios es una precuela que, cinematográficamente, podríamos encajar entre el fallido remake de Tim Burton y la genial obra de Schaffner, quizás algo más alejada de esta última, sobre todo, por el agravio comparativo.

Lo mejor

Andy Serkis

Lo peor

Siempre tenderemos a las comparaciones

Mi puntuación            .69.


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The man from Earth

Director: Richard Schenkman      Año: 2007
Reparto: David Lee Smith, Annika Peterson, Ellen Crawford, Richard Riehle, John Billingsley, Tony Todd.

The man from Earth es una obra independiente rodada con un presupuesto inicial de doscientos mil dólares de los que sólo se gastaron cincuenta y seis mil. No se llegó a estrenar en las salas españolas y en nuestro país sólo circula la versión original subtitulada debido a que ningún estudio de doblaje se ha dignado a traducirla a nuestro idioma por cuestiones comerciales. The man from Earth nos narra una historia increible que va adentrándose paso a paso a través de nuestras mentes y, sobre todo, de nuestros corazones, hasta hacernos partícipes de la dimensión de la realidad que se está planteando para que lleguemos a cuestionar muchas de nuestras creencias, sobre todo religiosas. La historia está contada de un modo exquisito y siguiendo una linealidad asombrosa. Todo encaja desde el principio. Cada pregunta y cada respuesta que van surgiendo según transcurre el guión son automáticamente encajadas, como piezas de un gran puzzle, en el conjunto global. El film está grabado con cámaras semiprofesionales, dando un grano inconfundible a la película. Ocho personajes dentro de una cabaña, que tiene como decorado una pequeña chimenea (cuyo sentido nos desvela el personaje principal). No hay más. Y es que la historia y el guión no necesitan más adornos para que este film se convierta en una obra de culto dentro del cine fantástico. Ni efectos especiales, ni presupuestos desorbitados, ni actores de éxito de taquilla. Sólo buen cine.

Lo mejor

El guión, la historia.

Lo peor

Que no haya trascendido lo suficiente para que algún estudio llegara a doblarla al castellano.

Mi puntuación            .88.    

Zombies party

Director: Edgar Wright      Año: 2004
Reparto: Simon Pegg, Kate Ashfield, Nick Frost, Dylan Moran.

Edgar Wright es un director de cine y televisión inglés que comienza su carrera a una edad muy temprana. En sus inicios la mayor parte de sus trabajos van destinados a la televisión. Zombies party, cuyo título original es Shaun of the dead, es la tercera película de su filmografía como director/guionista, precedida del éxito obtenido, por parte de la crítica, en su trabajo como actor y director en la famosa serie televisiva Spaced. Zombies party es una película de humor serio, con un gran trabajo de dirección y realización. Gran trabajo también de interpretación de mano de unos actores desconocidos en nuestras tierras, pero que son de lo mejor (dentro de la comedia inglesa) que ha pasado por las pantallas de ese país en la última década. La historia está muy bien narrada y conserva la linealidad durante toda la cinta, manteniéndonos así pegados a la butaca hasta el desenlace final.

Lo mejor

Te mantiene enganchado desde el inicio hasta el final

Lo peor

Se pierden algunos chistes puramente ingleses con la traducción

Mi puntuación            .84.

El número 23

Director: Joel Schumacher      Año: 2007
Reparto: Jim Carrey, Virginia Madsen, Danny Huston, Logan Lerman.

Joel Schumacher emprende su carrera como director en 1981 con su primer film: La increíble  mujer menguante, con gran éxito de taquilla. En su filmografía cuenta con más de una veintena de títulos entre los que destacan algunos muy interesantes como Un día de furia (1993), Asesinato en 8mm (1999) o Tigerland (2000). Con El número 23 Joel Schumacher se adentra en el mundo de la numerología y lo sobrenatural. El mayor problema de este film es el afán que pone su director para hacernos ver que todo confluye en el número que da título a la cinta. Todo lo que rodea al personaje principal de la historia tiene que ver directa o indirectamente con el número veintitrés y se repite hasta la saciedad. La película tiene un buen comienzo y llega a prometer mucho más de lo que, al final, nos ofrece. En definitiva, una cinta de esas que te apetece ver porque piensas que va a ser diferente y que te va a sorprender gratamente y una vez vista te sorprende por todo lo contrario. Por cierto, esta misma entrada comenzó a escribirse a las 23:23. ¿Tendrá eso algún significado oculto?

Lo mejor

No comienza nada mal

Lo peor

Una de las peores obras de Joel Schumacher

Mi puntuación            .55.

La cinta blanca

Director: Michael Haneke      Año: 2009
Reparto: Susanne lothar, Ulrich Tukur, Burghart Klaussner, Josef Bierbichler.

Supongo que la puntuación final que, de un modo muy personal e intransferible, le he dado a este film, no será muy bien acogida por la mayor parte de los seguidores de este controvertido director germano-austriaco. Y es que podemos afirmar que Michael Haneke realiza un cine poco convencional, lejos de los cánones más tradicionales del cine europeo, pero muy del agrado de una gran parte del público internacional. La obra de Haneke intenta extraer de nosotros las sensaciones más profundas y descarnadas para así llevarnos a flote a través de un caudal turbio e incómodo hasta la consumación de nuestra propia incertidumbre. La cinta blanca es una obra madura, perfectamente realizada, perturbadora y con un excelente trabajo de investigación a sus espaldas pero, bajo mi personalísimo punto de vista, adolece de esa falta de autoría de un discurso que nos lleva a preguntarnos si todo lo que está sucediendo es realmente una exégesis del propio narrador sobre los hechos que suceden de un modo objetivo en el transcurso de la historia. Esto hace que el ritmo narrativo se alargue en su estructura de un modo, en cierta manera, injustificable hasta presentarnos el desenlace final.

Lo mejor

La fotografía y la realización de la obra

Lo peor

Falta de cierta constancia en el ritmo

Mi puntuación            .60.

Déjame entrar

Director: Matt Reeves      Año: 2010
Reparto: Kodi Smit-McPhee, Chloe Moretz, Richard Jenkins, Elias Koteas.

Hace uno días comenté en este mismo blog otro film de este director, nacido en Nueva York, donde se habló, en muy pocas líneas, de su trayectoria profesional. En esta ocasión Matt Reeves dirige un remake de la famosa obra sueca de Tomas Alfredson tal vez de un modo un tanto precipitado, ya que el film original data de 2008. Estamos prácticamente ante la imagen de un espejo de la obra de Alfredson debido a que nos encontramos, salvo algunas pequeñas notas diferenciadoras, con planos enteros prácticamente clavados. La mayor diferencia radica en la estructura narrativa, que hace que el trabajo de Reeves pierda, en parte, la linealidad de la que gozaba el film de referencia. Pero el excelente trabajo realizado por la pareja protagonista hace que este remake nos haga disfrutar durante las escasas dos horas que dura la cinta. Gustará más a los que no vieron el trabajo original de Alfredson y más debido al poco tiempo transcurrido de un estreno a otro. Y es que las comparaciones siempre fueron odiosas.

Lo mejor

La actuación de Chloe Moretz. Esta niña promete.

Lo peor

La poca distancia temporal que separa el estreno de este film del original

Mi puntuación            .75.

La guerra de las galaxias

Director: George Lucas      Año: 1977
Reparto: Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Peter Cushing, Alec Guinness, Anthony Daniels.

Casi treinta y cinco años han pasado ya desde el estreno de La guerra de las galaxias, título que se le dio en España a finales de los 70. Si la encajamos dentro de las dos trilogías de George Lucas sería más correcto el título Star Wars: Episode IV - A New Hope. Fue la primera en estrenarse y la cuarta dentro de la cronología de la historia que se narra en las dos trilogías. Un servidor no había cumplido todavía los nueve años (el film se estreno en mayo de 1977) cuando la estrenaron. Recuerdo que salí del cine embobado, abstraído, con la sensación de que había visto la mejor película que mis ojos verían nunca. Todo había sido perfecto: la historia, los personajes, la música, los decorados, el sonido, los efectos visuales... Imaginaros todo esto desde la perspectiva de un niño de ocho años y con la tecnología de aquella época. Era para alucinar. Por eso La guerra de las galaxias marcó mi vida cinematográfica desde entonces. A partir de ese punto empecé a ver el cine de otra manera, y comencé a hacerme preguntas que no me había hecho antes al ver una película. Han pasado ya unos cuantos años desde entonces y he vuelto a ver La guerra de las galaxias en incontables ocasiones. Y cada vez que la vuelvo a ver es como si la perspectiva no cambiara. Sigo teniendo ocho años y disfrutando de ella con la misma intensidad con la que disfruté aquella tarde. Por cierto, aún conservo las figuras y el álbum de cromos originales de aquella época. Y es que hay obras cinematográficas que marcan un antes y un después en nuestra vida y para mí La guerra de las galaxias fue la más importante.

Lo mejor

El cambio que supuso en la historia del cine de ciencia ficción

Lo peor

No volver a verla en una pantalla gigantesca

Mi puntuación            .99.

Zoolander

Director: Ben Stiller      Año: 2001
Reparto: Ben Stiller, Owen Wilson, Christine Taylor, Will Ferrell.

Ben Stiller es hijo de cómicos (naturalmente). Su carrera en el mundo del cine comienza a finales de los 80 participando en algunas cintas cómicas de bajo presupuesto, exceptuando un pequeño papel que Spilberg le dio en El imperio del sol (1987). Años después Algo pasa con Mary (Bobby y Peter Farrelly, 1998) lanza a Stiller a la fama. Prueba fortuna detrás de las cámaras con Reality bites (1994), su primera obra como director y en la que también interpretaba el papel de uno de los personajes. Después de dirigir The cable guy (1996) y  seguir trabajando como actor en diversos largometrajes, fundamentalmente cómicos, vuelve a repetir en su doble faceta de actor y director con la película que nos ocupa. Zoolander es otro tanto de lo mismo a lo que Stiller nos tiene acostumbrados. Humor absurdo hasta la saciedad en una demostración continua de que es lo único que sabe hacer, aparte de "regalarse" un papel en todas sus películas como director. Quizá a Stiller se le pasó por la cabeza que invitando a su película a un montón de caras conocidas del mundo del cine iba a resultar más llamativa de cara a la taquilla. 

Lo mejor

Si tienes el día tonto te puedes llegar a reír

Lo peor

Otra más de Ben Stiller

Mi puntuación            .40.

El silencio de Lorna

Director: Jean-Pierre y Luc Dardenne      Año: 2008
Reparto: Arta Dobroshi, Jérémie Renier, Olivier Gourmet, Fabricio Rongione.

Los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne son dos directores belgas que comienzan su trabajo detrás de las cámaras con producciones documentales a finales de los 70. Su primera obra cinematográfica de ficción es Falsch (1987), siendo su tercer film La promesa (1996) el que obtuvo su primer reconocimiento por parte de la crítica internacional. El silencio de Lorna fue ganadora de la Palma de Oro como mejor guión en 2008. Si tuviera que definir en pocas palabras este film diría que es aburrido y lento. La historia se cuenta en un tono demasiado gélido y hace que pierda el ritmo en numerosas ocasiones, para retomarlo con inesperada fuerza unos instantes después con la consiguiente pérdida de interés por parte del espectador. Parece que, a lo largo de la historia, los hermanos Dardenne, guionistas también del film, traten de buscar nuestra empatía constantemente para entender las razones de la protagonista, pero no acaban de conseguirlo. Pero no todo iba a ser malo en esta película y la sobresaliente actuación de la actriz albanesa Arta Dobroshi salva el conjunto final de una muerte segura.

Lo mejor

La actuación de la desconocida actirz albanesa Arta Dobroshi

Lo peor

El ritmo narrativo

Mi puntuación            .65.

Green zone

Director: Paul Greengrass      Año: 2010
Reparto: Matt Damon, Greg Kinnear, Brendan Gleeson, Amy Ryan.

Paul Greengrass ya trabajó anteriormente con Matt Damon en dos de los tres largometrajes donde se da vida en la gran pantalla a Jason Bourne, personaje de ficción del novelista fallecido Robert Ludlum.  También ha sido el director de Bloody Sunday (2002), United 93 (2006) y de diversas producciones para la televisión. En Green zone podemos encontrar la acción que pudimos ver en El ultimátum de Bourne, cuestión en la que Greengrass es especialista. Pero no sólo de acción vive el hombre y la historia que se nos narra en este film es más que interesante. Parte de la filmografía de este director británico está realizada bajo la perspectiva de alguien que quiere cambiar las cosas. Son obras de denuncia ante hechos sobre los que no conocemos toda la verdad. Podemos observar este hecho en Bloody Sunday o en la trágica United 93. Y en Green zone se siguen las mismas pautas, contando una historia sobre la búsqueda de armas de destrucción masiva en Irak. En el apartado técnico cabría destacar el montaje, que consigue imprimir más acción a la obra, y el realismo con el que han sido rodadas gran parte de las escenas, debido al trabajo bien realizado empleando la técnica de cámara al hombro.

Lo mejor

El apartado visual y la acción

Lo peor

No se ha descubierto nada nuevo en la historia

Mi puntuación            .75.

Monstruoso

Director: Matt Reeves      Año: 2008
Reparto: Lizzy Caplan, Jessica Lucas, T.J. Miller, Michael Stahl-David.

Matt Reeves dirigió en 2010 el remake americano del film  sueco Déjame entrar (Tomas Alfredson, 2008), basado en una novela de John Ajvide Lindqvist. Reeves es conocido por el gran público por ser el creador, al lado de J.J. Abrams, de la serie de televisión Felicity, cuyo éxito traspasó durante cuatro años las fronteras de USA. Monstruoso nos trae gratos recuerdos de Godzilla y del cine japones de los años 50, donde apareció por vez primera en la gran pantalla. Pero el terror que Reeves nos aplica en su film irrumpe a través de nuestros ojos de una forma inesperada. Un horror desconocido que se va apoderando de los asistentes a la fiesta de despedida del inicio de la cinta. Interpretaciones correctas, buenos efectos especiales que hacen más creíble la historia, y un sonido espectacular. Pero, la búsqueda del realismo al rodar la mayor parte del film con la técnica de la cámara en mano, no es suficiente para lograrlo. Hace falta, para ello, un guión coherente, con un hilo conductor que determine de un modo menos caótico una resolución que Reeves no ha sabido sentenciar.

Lo mejor

Algunos momentos de frenética acción

Lo peor

Reeves no ha sabido enfocar la resolución del film

Mi puntuación            .65.

Vals con Bashir

Director: Ari Folman      Año: 2008
Reparto: Animación

Ari Folman es un director de cine y guionista israelí. Cuando contaba la edad de diecinueve años fue testigo presencial de la masacre de Sabra y Chatila (Líbano) al formar parte de las fuerzas de defensa israelíes. Veintiséis años después, y como intento de recuperar los recuerdos de la guerra, escribió y dirigió Vals con Bashir. El mismo documental es un intento del protagonista, un amigo del director, de buscar esos recuerdos que tiene perdidos en su memoria tras varias noches atormentado por una pesadilla recurrente. Podemos decir que el resultado final es una obra bien acabada, con un montaje de sonido casi perfecto y una música que encaja en el conjunto como un puzzle. La técnica empleada es muy elaborada y pasa por la animación de un storyboard con más de dos mil dibujos originales. Ahora podemos visionar los hechos, tantas veces vistos en los telediarios, como un verdadero ejercicio de memoria histórica con pocas concesiones y con una claridad y sinceridad renovadas. Vals con Bashir es una obra que destila belleza en muchos aspectos a pesar de ser un recuerdo doloroso para todos los que vivieron la historia desde la realidad desnuda de la guerra.

Lo mejor

La historia humana que se nos narra

Lo peor

Que no se realice más cine de animación de calidad

Mi puntuación            .82.

Los hombres que miraban fijamente a las cabras

Director: Grant Heslov      Año: 2009
Reparto: George Clooney, Jeff Bridges, Ewan McGregor, Kevin Spacey.

A Grant Heslov  lo reconoceréis por su faceta de actor, ya que ha intervenido en unos cuantos films, casi siempre en papeles secundarios (Mentiras arriesgadas, El rey escorpión, Buenas noches y buena suerte...). También podemos destacar su faceta como guionista en obras como Buenas noches y buena suerte por la que fue nominado a un Oscar al mejor guión original en 2005. En 2006 crea una compañía de cine (Smoke House) junto a su amigo George Clooney. Con este último ha trabajado como productor en otros tantos proyectos. Los hombres que miraban fijamente a las cabras es su tercer título como director. Por el cartel, el reparto y la forma en la que se ha escrito el guión, parece que estamos ante una película de los hermanos Coen. Y falla precisamente en eso: parece una obra de Joel y Ethan Coen, pero no lo es. Un argumento disparatado, con un ritmo irregular y un guión que va y viene en demasiadas ocasiones a lo largo de la cinta. El resultado final es una película entretenida sin mayores pretensiones que las de pasar un buen rato y tiene muy buenos momentos para ello.

Lo mejor

Estupenda para pasar un buen rato

Lo peor

Guión caótico y un ritmo muy irregular

Mi puntuación            .60.            

Cisne negro

Director: Darren Aronofsky      Año: 2010
Reparto: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder.

Cisne negro es el último film dirigido por Darren Aronofsky y a su vez el último que me faltaba por comentar en este blog para completar su filmografía. Si bien ha realizado también tres cortos en su etapa académica en Harvard (Supermarket sweep, Protozoa y Fortune cookie), estos no han sido editados en vídeo y ni siquiera trascendieron más allá de su propio entorno. Podemos decir que Cisne negro es la cinta más comercial de Aronofsky, junto con su anterior obra The wrestler (2008) y que experimenta un pequeño salto cualitativo con respecto a esta última. En una opinión muy personal, el mejor film de este director es Réquiem por un sueño (2000). Cisne negro cuenta con un guión muy atractivo y con una Natalie Portman que realiza una interpretación magistral. Considero que esas son las dos bazas más importantes de este film, aunque también destacaría los movimientos de cámara acompañando hasta el más mínimo movimiento, gesto o sensación de la protagonista y, como no, la exploración de las emociones personales llevadas al límite.

Lo mejor

La interpretación de Natalie Portman

Lo peor

La ingenuidad que se le da a la protagonista en su papel

Mi puntuación            .79.

Los chicos del coro

Director: Christophe Barratier      Año: 2004
Reparto: Gérard Jugnot, François Berléand, Kad Merad, Jean-Paul Bonnaire.

La historia de Los chicos del coro es una historia  que ya ha sido narrada en varias ocasiones desde diversas perspectivas. Es la misma historia sobre chicos rebeldes a los que la pasión por el arte hace aflorar lo mejor de sí mismos. Pero aunque sea un tema muy manido , la historia está bien contada. Christophe Barratier nos muestra, de un modo muy entrañable, el amor por la música desde la óptica de unos niños que se acercan a ese noble arte por primera vez en sus vidas de la mano de Clément Mathieu (Gérard Jugnot), que llega como nuevo vigilante al internado donde residen. La calidad interpretativa de la mayor parte del reparto está fuera de todo género de dudas. Excelente montaje de la mano de Yves Deschamps y una banda sonora que nos transporta a un mundo donde somos conscientes de que todo se puede cambiar y donde el diálogo educativo prevalece sobre la imposición del castigo.

Lo mejor

La banda sonora como valor añadido y el interés educativo del film

Lo peor

Demasiado sentimental en ciertos momentos

Mi puntuación            .75.

La guerra de los botones

Director: Christophe Barratier      Año: 2011
Reparto: Guillaume Canet, Laetitia Casta, Gérard Jugnot, Kad Merad.

Basada en la adaptación del clásico de la literatura infantil francesa de Louis Pergaud, La guerra de los botones es una nueva versión llevada al cine, en esta ocasión de la mano de Christophe Barratier, director de Los chicos del coro. Existen ya varias adaptaciones del cine francés de esta gran novela y entre ellas cabe destacar la de Jacques Daroy en 1937 o la de Yves Robert en 1962. La adaptación que nos ocupa ha querido ser fiel a la novela de Pergaud pero trasladada en el tiempo. Pasamos por ello de finales del siglo XIX a 1944, año en el que transcurre la cinta de Barratier. La guerra de los botones no es el film que debería haber sido. Partimos de la base de una interesante novela como reclamo para el público general, la convertimos en lo que la gran masa quiere ver, eso sí, dejando de lado la esencia pura del cine, y tenemos la cinta perfecta para hacer taquilla. El peligro de este juego es la irresponsabilidad en la que puede caer el director al tratar temas tan serios como el periodo de Ocupación de un modo tan banal e irreflexivo, en su búsqueda efectista de llamar la atención al público general. La última obra de Christophe Barratier queda lejos de aquel film que tanto éxito le reportó en 2004: Los chicos del coro.

Lo mejor

El revuelo que causó el casting en Francia 

Lo peor

Va dirigida a un público poco exigente

Mi puntuación            .45.

Cuando éramos soldados

Director: Randall Wallace      Año: 2002
Reparto: Mel Gibson, Madeleine Stowe, Greg Kinnear, Sam Elliot.

Randall Wallace tiene una amplia experiencia como escritor y productor tanto en el mundo literario como en el mundo cinematográfico dentro del género de películas de cine bélico. Sirva como ejemplo su best seller Pearl Harbour, que se llevó al cine poco tiempo después con gran éxito de taquilla y del que él mismo fue productor. Cuando éramos soldados es una historia sobre la angustia. Una historia sobre el tormento que sufren los seres humanos en el campo de batalla, que ya ha sido perfectamente retratada con anterioridad en obras como Salvar al soldado Ryan (Steven Spielberg, 1998). Un historia bien contada, y con un enfoque correcto si prestamos atención a lo que nos suelen mostrar dentro del género. Mel Gibson está más que correcto dentro del film, interpretando un papel que me recuerda a Graham Hess, personaje al que dio vida ese mismo año en Señales (M. Night Shyamalan, 2002).

Lo mejor

El enfoque de la historia

Lo peor

Es difícil hacer cine bélico sin una mínima visión patriótica

Mi puntuación            .80.

Brothers

Director: Jim Sheridan      Año: 2009
Reparto: Jake Gyllenhaal, Natalie Portman, Tobey Maguire, Clifton Collins Jr.

Jim Sheridan ha sido candidato a los premios Oscar en seis ocasiones, con tres de sus películas: Mi pie izquierdo (1989) con dos candidaturas, En el nombre del padre (1993) con tres y En América (2003) con una candidatura al mejor guión original. Brothers es un remake de un film danés dirigido por Susanne Bier en 2004 y sobre el que esta nueva obra no aporta muchas modificaciones. La historia se nos narra de idéntica manera al film original, destacando en el caso de la película de Sheridan la interpretación de dos de sus actores principales: Jake Gyllenhaal (Zodiac, Brokeback Mountain, Donnie Darko...) y Natalie Portman (Léon, V for Vendetta...), pero sin llegar a la fuerza interpretativa de Ulrich Thomsen o Connie Nielsen en la obra de Susanne Bier. Sheridam es un maestro del drama y se mueve por el guión de Brothers con una fluidez que nos hace participar de la historia de un modo muy directo. Como dije al principio de esta revisión, el film de Sheridam no nos aporta nada nuevo a los que ya disfrutamos del film danés, pero es una forma muy digna de volver a visionar esta gran historia y recordarnos que Jim Sheridam es un gran director de cine.

Lo mejor

El fondo de la historia

Lo peor

No aporta mucho sobre el film original

Mi puntuación            .77.

Si la cosa funciona

Director: Woody Allen      Año: 2009
Reparto: Larry David, Evan Rachel Wood, Henry Cavill, Patricia Clarkson.

Indudablemente no estamos ante el regreso del gran Woody Allen después de un dilatado tiempo de sequía cinematográfica. Más abajo comentaba otro film: Midnight in Paris, de este afamado director, y más cercano en el tiempo, que realmente significaba la vuelta de su  genialidad a las salas de cine. Si la cosa funciona nos lleva, de la mano de su álter ego, por las calles de Nueva York en un liviano paseo donde los personajes siguen siendo personajes de Woody Allen, pero sin la chispa ni el punto cómico preciso para convertirse en una de sus grandes obras, ni acercarse, al menos a una distancia que pudiera considerarse prudente, a la que, para mí, fue su obra maestra: Manhattan. No obstante, estamos ante una película ingeniosa, que nos cuenta la historia de un personaje decepcionado del trato que ha recibido de la vida, y que así se plasma de una forma muy natural en el guión. Tal vez el gran Woody Allen quiera acercarnos al protagonista de Si la cosa funciona, porque en el fondo sabe que todos tenemos algo de él que quisiéramos mostrar de vez en cuando.

Lo mejor

La vuelta a Nueva York

Lo peor

Se espera más de Woody Allen

Mi puntuación            .70.

The town

Director: Ben Affleck      Año: 2010
Reparto: Ben Affleck, Rebecca Hall, Jon Hamm, Jeremy Renner.

The town. Ciudad de ladrones, como se tituló en España, es el segundo film de Ben Affleck. El primero, Gone baby gone, fue nominado a un Oscar a la mejor actriz de reparto (Amy Ryan). Este segundo trabajo de Affleck como director también fue nominado al Oscar al mejor actor de reparto por el trabajo de Jeremy Renner (En tierra hostil). Affleck ha recibido numerosos premios a lo largo de su trayectoria profesional, entre ellos un Oscar y un Globo de oro al mejor guión original por Good Will Hunting y algunos galardones por su trabajo como actor. En The town nos muestra una dirección brillante y convierte esta obra en una de las mejores películas policíacas de la última década, recordándome en algunos aspectos y escenas a una grande del género: Heat (Michael Mann, 1995) que, para mí, posee una de las mejores escenas de acción de todos los tiempos. The town es un film serio, muy bien desarrollado y con un excelente ritmo narrativo.

Lo mejor

El equilibrio entre la acción y la historia

Lo peor

Quizá Affleck se debiera haber quedado detrás de las cámaras

Mi puntuación            .84.

1408

Director: Mikael Håfström      Año: 2007
Reparto: John Cusack, Samuel L. Jackson, Mary McCormack, Tony Shalhoud.

Jan  Mikael Håfström es un director y guionista sueco de cine y televisión. Entre sus obras se encuentra Ondskan (2003), que obtuvo una candidatura al Oscar a la mejor película extranjera. 1408 es un film basado en un relato de Stephen King y cuya trama nos lleva al hotel Dolphin de Nueva York, donde el protagonista, un afamado escritor de novelas y guías de terror, tiene que enfrentarse a sus demonios al pasar una noche en una de las habitaciones del hotel, que ha sido cerrada hace años al público general.  Mikael Håfström le imprime buen ritmo a su obra y John Cusack le da la solidez necesaria para lograr engancharnos desde el inicio de la cinta. El problema es que, a lo largo de la película, nos encontramos con una mezcla de escenas que podrían encajar dentro de la mayoría de los subgéneros del cine de terror y, en ocasiones, no están bien entrelazadas. Quizá el "exceso" de presupuesto ha hecho a Mikael Håfström perder un poco el norte y querer hacer más de lo que realmente debería haber hecho.

Lo mejor


La atmósfera opresiva


Lo peor


Toda la obra descansa en un solo actor


Mi puntuación            .71.

Los pingüinos del Sr. Poper

Director: Mark S. Waters      Año: 2011
Reparto: Jim Carrey, Carla Gugino, Madeline Carroll, Ophelia Lovibond.

Jim Carrey debería de haberse lucido en este film para mentes insulsas, pero ni siquiera ha sido capaz de hacerlo como es habitual. Un guión escrito especialmente para su forma de actuar, lleno de disparates, necedades, memeces y sandeces. Quizá un comienzo con cierta emotividad que se va por el desagüe a la mínima de cambio. Podríamos resumir diciendo que es una comedia sin gracia (¿qué peor comedia que la que no hace ni gota de gracia?), tonta y previsible, tan previsible que a los diez minutos de cinta ya sabes la clase de producto que tienes delante. El señor Mark S. Waters debería de habérselo pensado dos veces, pero viendo su filmografía desde el año 1997 no hay mucho más que hablar.  Señoras y señores, ya no les recomiendo que no vean ustedes esta película porque ya somos todos mayorcitos y cada uno ve lo que quiere (faltaría más), pero, por favor, no se la pongan a sus hijos porque realmente se merecen otra cosa.

Lo mejor

Ni los pingüinos

Lo peor

Todo

Mi puntuación            .20.

Invasión a la Tierra

Director: Jonathan Liebesman      Año: 2011
Reparto: Aaron Eckhart, Bridget Moynahan, Jim Parrack, Joey King.

Después de dirigir algún corto y un par de largometrajes que pasaron con más pena que gloria por las carteleras de los cines, Jonathan Liebesman se mete de lleno en un género que nunca antes había explorado. Pocas son las ocasiones en las que nos toca disfrutar plenamente de una película de ciencia ficción sin que tenga que imperar el uso y el abuso de los efectos especiales, y me temo que este no es el caso. Así de pronto me viene a la memoria Señales (2002), de M. Night Shyamalan, como buen ejemplo de realización de un excelente trabajo dentro del género, prescindiendo, casi en total medida, del uso de efectos visuales. Invasión a la Tierra es una mezcla de cine bélico y de ciencia ficción. Mezcla que ya tiene sus precursores en anteriores títulos  (Independence day, La guerra de los mundos) donde se conjugan los dos géneros en mayor o menor medida. A grandes rasgos, la historia que se cuenta es la historia que se nos ha contado en ya demasiadas ocasiones, sin añadir nada interesante ni original al conjunto. Cuando acabas de ver la película te quedas con la impresión de haberte perdido algo importante al no haberte alistado en su día al Cuerpo de Marines de los Estados Unidos, si es que no lo has hecho ya.

Lo mejor

Buen intento

Lo peor

Hay muchas mejores películas dentro del género

Mi puntuación            .59.